Arianna Piscitelli

OBIETTIVI DEL CORSO

Il corso, prepara e istruisce professionisti in grado di curare la realizzazione dei costumi di scena, dalla fase di preparazione e confezione a quella di manutenzione e conservazione, e consente di acquisire conoscenze specifiche della sartoria dello spettacolo.



PROGRAMMA DI STUDIO

 Programma di Storia del Costume

- Il costume nella preistoria e nelle società pre-agricole extraeuropee.
- Il costume nelle società sumere, assiro-babilonesi e dell’ antica Persia.
- Il costume nell’antico Egitto.
- Il costume nell’antica Grecia (nel periodo minoico-cretese, nell’età classica e nel periodo ellenistico).
- Il costume presso gli etruschi e i romani antichi (nel periodo monarchico - repubblicano e imperiale).
- Il costume presso i popoli barbari (celti, germani e longobardi).
- Il costume presso l’ Impero Bizantino.
- Il costume nel Medioevo (prima e dopo l’anno 1000).
- Il costume nel 1400 e nel Rinascimento (italiano e nord-europeo).
- Il costume del 1500 (italiano, nordico, francese, spagnolo e inglese).
- Il costume del 1600 (inglese elisabettiano, olandese, spagnolo e barocco francese).
- Il costume del 1700(periodo “restaurazione”, veneziano, rococò, neoclassico francese, inglese e periodo rivoluzionario).
- Il costume del 1800 (periodo napoleonico, restaurazione, periodo romantico, nuovo rococò ,età vittoriana ed eclettismo degli stili).
- Il costume del 1900 (anni ’10 e ’20, anni ’30 e ’40, anni ’50 e ’60, anni ’70 e ’80, anni ’90, correnti giovanili e riflessioni sul costume contemporaneo).
- Il costume extraeuropeo (Africa, Arabia, India, Cina, Giappone e Sudamerica).

Programma Didattico di Sartoria per lo Spettacolo

- Il sarto per lo spettacolo: introduzione alla figura professionale.
- La manutenzione (stiro, lavaggi, merceologia pratica, il lavoro in scena e in tournèe).
- Riparazioni (incidenti e problem solving sulla scena).
- Tecniche di elaborazione (i colori; l’invecchiamento; le tinture; le colle a caldo; la decorazione di tessuti e accessori).
- Le modifiche sartoriali (accorciare, stringere, allargare, cerniere, automatici e velcro).
- Elementi del costume antico (frange, reti, nodi e inserti).
- Elementi del costume medievale (cartucciera e guanti).
- Cravattone barocco 1500/1600 - Gorgiera 1500/1600.
- Cuffie femminili 1600/1700.
- Jabot 1700.
- Elementi sartoriali del 1700.
- Cravattone 1800.
- Elementi sartoriali 1800/1900.
- Corsetto.
- Progetto didattico : costume intero realizzato dagli alunni.



FREQUENZA

Durata del corso: 900 ore (20 mesi)
Durata lezioni: lezioni da 3 ore cad. (dalle 9.00 alle 12.00 o 14.00 alle 17.00)
Frequenza settimanale : 4 lezioni settimanali

COSTO DEL CORSO

Iscrizione : 300,00 euro (una tantum che copre l'intero svolgimento del corso)

Rate mensili: 450,00 euro

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Storia del Costume e Sartoria per lo spettacolo

La sartoria teatrale è quel particolare comparto dell’industria teatrale specializzato nella realizzazione dei costumi per uno spettacolo. Le sue basi di appoggio sono i disegni e le indicazioni del “sarto costumista”. Alcuni teatri, soprattutto i più importanti, hanno una sartoria interna in cui lavorano una o più sarte.

Il rapporto fra moda e spettacolo, ed in particolar modo il rapporto fra moda e teatralità, vantano origini limitrofe nel contesto delle grandi corti e dei primi ambienti alto borghesi. Il nascere dell’Alta Moda è tributario dell’idea di teatralità e di rappresentanza nate in questi ambienti
e pur tuttavia la storia della sartoria teatrale italiana deve ancora essere scritta.

Una lacuna tanto più evidente se si considerano le cospicue dimensioni e l’inestimabile valore delle raccolte di costumi conservate da alcune fra le più importanti sartorie teatrali italiane.

Sin dalla fine dell’Ottocento, tra moda e spettacolo si è instaurato un legame indissolubile. Le scene calcate da attrici, cantanti e ballerine hanno assolto la funzione di passerelle d’eccezione per le creazioni dei couturier, e la moda si è alimentata delle idee e delle suggestioni che lo spettacolo ha contribuito a creare, rinnovare, o semplicemente a far circolare mettendo in contatto culture diverse, fra loro lontane e apparentemente precluse ad ogni forma di comunicazione e di confronto.
L’elenco dei couturier e degli stilisti che hanno realizzato costumi di scena per le diverse forme di spettacolo – teatro, danza, cinema – comprende tutti i più altisonanti nomi della storia della moda. Per limitarci a quelli italiani, basti citare, tra molti altri, Mariano Fortuny, che vestiva attrici e ballerine del calibro di Eleonora Duse e Isadora Duncan. Oppure considerare il rapporto instauratosi fra Biki e Maria Callas. O anche ammirare il guardaroba di Richard Gere, interprete di American Gigolò, che contiene un’intera collezione di Giorgio Armani (accessori e intimo compresi). Proprio nel cinema, la moda italiana ha trovato un grande amplificatore della propria professionalità : dopo la seconda guerra mondiale Hollywood-on-the-Tiber, come gli americani avevano ribattezzato Cinecittà - lasciando trasparire viva preoccupazione per la nascita di un nuovo concorrente della cinematografia d’oltreoceano - è stato un canale di comunicazione dello stile di vita e della moda italiana ben più efficace delle pur riuscite sfilate fiorentine.

Le rappresentazioni teatrali, che nel panorama delle offerte di intrattenimento di fine dell’Ottocento, erano un genere di spettacolo che richiamava un pubblico particolarmente numeroso, rappresentarono un’imperdibile occasione per sfoggiare le ultime novità della moda e per ammirare i costumi creati dai couturier appositamente per le attrici.
Eppure, il rapporto fra moda e spettacolo – ed in particolare il rapporto fra moda e teatro – che vanta una storia le cui origini risalgono indietro nel tempo, ancora non è stato studiato e messo in luce con particolare evidenza. E’ un campo di indagine ed un percorso lavorativo ancora in pieno sviluppo e crescita.

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